La société du spectacle et l’aménagement du territoire

J’ai récemment re-feuilleté ma copie de La société du spectacle de Guy Debord et suis retombé sur le chapitre qui traite de la relation entre l’aménagement de l’espace urbain et la société spectaculaire. Ce qui m’a interpellé, dans les passages que j’avais déjà soulignés, est la relation que Debord fait entre les lieux aménagés et l’idée du voyage.

167
«Cette société qui supprime la distance géographique recueille intérieurement la distance, en tant que séparation spectaculaire» (en tant qu’isolement ici faudrait-il comprendre). p.164

Aussi, plus loin :

168
«Sous-produit de la circulation des marchandises, la circulation humaine considérée comme une consommation, le tourisme, se ramène fondamentalement au loisir d’aller voir ce qui est devenu banal. L’aménagement économique de la fréquentation des lieux différents est déjà par lui-même la garantie de leur équivalence. La même modernisation qui a retiré du voyage le temps, lui a aussi retiré la réalité de l’espace.» p.164

178
«L’histoire qui menace ce monde crépusculaire est aussi la force qui peut soumettre l’espace au temps véçu. La révolution prolétarienne est cette critique de la géographie humaine à travers laquelle les individus et les communautés ont à construire les sites et les événements correspondants à l’appropriation, non plus seulement de leur travail, mais de leur histoire totale. Dans cet espace mouvant du jeu, et des variations librement choisies des règles du jeu, l’autonomie du lieu peut se retrouver, sans réintroduire un attachement exclusif au sol, et par là ramener la réalité du voyage, et de la vie comprise comme un voyage ayant lui-même tout son sens.» p.172

Et la description de l’image de la ville et de la banlieue est particulièrement saissisante :

169
«La société qui modèle tout son entourage a édifié sa technique spéciale pour travailler la base concrète de cet ensemble de tâches : son territoire même. L’urbanisme est cette prise de possession de l’environnement naturel et humain par le capitalisme qui, se développant logiquement en domination absolue, peut et doit maintenant refaire la totalité de l’espace comme son propre décor.»

174
«Le moment présent est déjà celui de l’autodestruction du milieu urbain. L’éclatement des villes sur les cmapagnes recouvertes de «massses informes de résidus urbains» (Lewis Mumford) est, d’une façon immédiate, présidé par les impératifs de la consommation. La dictature de l’automoble, produit-pilote de la première phase d el’abondance marchande, s’est inscrite dans le terrain avec la domination de l’autoroute, qui dosloque les centres anciens et commande une dispersion toujours plus poussée. en même temps, les moments de réorganisation inachevée du tissus urbain se polarisent passagèrement autour des «usines de distribution» que sont les supermarkets géants édifiés en terrain nu, sur un socle de parking; et ces temples de la consommation précipitée sont eux-mêmes en fuite dans le mouvement centrifuge, qui les repoussent à mesure qu’ils deviennent à leur tour des centres secondaires surchargés, parce qu’ils ont amené une recomposition partielle de l’agglomération. Mais l’organisation technique de la consommation n’est qu’au premier plan de la dissolution générale qui a conduit ainsi la ville à se consommer elle-même.» p. 168-169

Théorie critique de la modernité tardive : l’accélération du temps social

Abbaye de Saint-Benoit-Du-Lac

Abbaye de Saint-Benoit-Du-Lac

Si les valeurs incarnées dans les espaces interstices et les ruines (qui s’apparentent chez moi à des espaces liminaires) sont bien identifiées*, qu’est-ce qui me pousserait à chercher le contact avec ces espaces et ces valeurs autres véhiculées par notre société? Pour esquisser le début d’une compréhension des forces agissantes, je me réfèrerai à l’ouvrage d’Hermut Rosa, Théorie critique de la modernité tardive. Cet ouvrage amène une explication de notre relation à l’espace et au temps depuis la modernité, ou ce que Rosa nomme comme la modernité tardive. Selon l’auteur, il y aurait eu la période de modernité, de postmodernité, d’hypermodernité et maintenant nous serions dans la période de modernité tardive. Et cette modernité tardive serait caractérisée par l’accélération. L’accélération du temps social, l’accélération pour la reconnaissance, l’accélération de la consommation. Citations en vrac. Je dois encore digérer cet ouvrage.

La lutte dynamique pour la reconnaissance

«De ce fait, la lutte pour la reconnaissance dans la société moderne est devenue elle aussi un jeu de vitesse : puisque nous gagnons l’estime sociale à travers la compétition, la vitesse est essentielle à la reconnaissance dans les sociétés modernes.» p.79

Cette donnée est réelle, j’en fais l’expérience quotidienne, et le faire savoir pèse lourdement dans l’actualisation d’une carrière artistique. Or cet acte de faire savoir est en contradiction formelle avec la donné d«être» et de celle de l’expérience. Tout au plus on peut en faire un compte-rendu, mais l’expérience en perd un peu de son essence, de sa vérité, il me semble. Cette idée de diffusion et de reconnaissance m’a brulé en 2010. Et Dieu merci qu’il y a eu ma sabbatique en 2011-2012 pour me permettre de reconnecter avec mon acte créatif intuitif, non intentionné, non dirigé, non désigné. Mais il y a bel et bien eu une passe à vide, une perte de sens qui m’a profondément marqué. Ce que je retiens de cette expérience est surtout les motifs de cette dérive; je ne créais plus pour moi, pour répondre à un besoin interne de régulation, à une force qui m’aidait à contre-balancer le marché professionnel. J’étais rendu de plain-pied dans ce marché. Perte de sens.

«L’accélération sociale est devenue une force totalitaire interne à la société moderne et de la société moderne elle-même… dans la société moderne tardive, le pouvoir totalitaire consiste plutôt en un principe abstrait qui assujettit néanmoins tous ceux qui vivent sous sa domination.» p.85

«Si des auteurs tels qu’Alain Ehrenberg ou Axel Honneth observent une tendance croissante à l«épuisement» de l’être dans la modernité tardive (dépressions cliniques et burn-out) cela, selon moi, est largement (sinon uniquement) attribuable à une lutte pour la reconnaissance qui, pour parler métaphoriquement, recommence encore et encore chaque jour, et dans laquelle aucune niche ni aucun palier sûrs ne peuvent être atteints.» p.82

La désynchronisation

«En termes plus systématiques, la désynchronisation apparaît entre les mondes social et extra-social, mais également entre des modèles de vitesse différents à l’intérieur des domaines de la société. En ce qui concerne la première forme, l’accélération de la société surcharge systématiquement les cadres temporels de la nature environnante. Ainsi, nous épuisons les ressources naturelles, comme le pétrole et les sols, à des rythmes bien supérieurs aux vitesses de leur renouvellement, et nous nous débarassons de nos déchets toxiques à un tempo beaucoup trop élevé pour que la nature puisse les traiter. Le réchauffement de l’atmosphère terrestre n’est lui-même rien d’autre qu’un processus d’accélération physique causé socialement…» p.94

«Le pouvoir de l’accélération n’est plus perçu comme une force libératrice, mais plutôt comme une pression asservissante. Bien sûr, pour les acteurs sociaux, l’accélération a toujours été les deux à la fois : une promesse et une nécessité. À l’époque de l’industrialisation, par exemple, elle était, pour la pluspart du temps, plutôt la seconde que la première, mais elle porta néanmoins en elle le potentiel libérateur pendant tout le XXe siècle. Aujourd’hui cependant, au début du XXIe siècle «mondialisé», la promesse perd de son potentiel, la pression devient accablante à un point tel que les idées d’autonomie individuelle et collective (démocratique) deviennent anachroniques». P109-110

 Temporalité

«Alors que les individus se sentent eux-mêmes libres, ils se sentent également dominés par une série d’exigences sociales excessive et en constante augmentation.» p.101

Saturation sociale

«Ce par rapport à quoi nous sommes aliénés par les diktats de la vitesse, je l’ai dit, n’est pas notre être intérieur immuable ou inaltérable, mais notre capacité à nous approprier le monde.» p.137

Ce qui est sur, est que l’expérience des ruines et espaces interstices modifient ma relation au temps d’une façon significative et salvatrice. Ces périples participent donc à une certaine reconnection avec le temps social, à une re-synchronisation pour effectuer une reproduction culturelle (c’est-à-dire le passage d’un savoir et de normes culturelles d’une génération à l’autre, qui apporte une certaine dose de stabilité et de continuité à la société) même si celle-ci est uniquement personnelle.
Enfin, il y a là matière à compréhension de l’appel de ces espaces interstices.

 

*Ce travail d’identification des valeurs véhiculées par les espaces interstices et résiduels a été effectué dans le cadre de mon séminaire portant sur la perception et l’effet de l’art donné par Jocelyne Lupien à l’hiver 2015.

Vers une écologie de l’environnement artificiel

41mw9zuud1l-_sx318_bo1204203200_

L’essai d’Ezio Manzini est un ouvrage qui m’accompagne depuis plusieurs années. Son propos trouve écho dans ma pratique, dans mon enseignement et maintenant dans ce projet de recherche sur les espaces interstices, les ruines et notre relation au temps. Ce livre rose publié en 1990 propose une lecture pertinente de notre relation aux objets et à notre environnement qui demeure tout à fait pertinente aujourd’hui. Peut-être est-ce la sagesse de l’auteur ou l’optimiste qui habite le livre, mais j’y reviens souvent pour mettre des mots sur mes recherches ou pour faire comprendre certains concepts à mes étudiants.

J’ai relevé une nouvelle section qui ne m’avait pas encore interpellé. Il s’agit de sa section sur Habiter la métropole, habiter la terre.

«Nous vivons aujourd’hui une de ces périodes (de transition rapide et de mutation) : l’habitant de la métropole a des difficultés à construire son nid et à donner aux lieux qu’il occupe une consistance culturelle qui leur confère une présence et du sens, qui en fasse les points de repère d’une carte mentale avec laquelle il définit son propre espace. L’homme consomme les ressources, consomme l’énergie, consomme le territoire, et malgré cela, ou peut-être à cause de cela, ne parvient pas à donner une réponse à son besoin d’habiter.» p.128-129.

1

Cette affirmation coïncide avec l’idée que l’environnement de la ville en est un de plus en plus artificiel. Manzini note par ailleurs que ce type d’environnement commande que l’on s’attarde à ses qualités sensorielles. Pourtant, l’environnement urbain actuel est plutôt caractérisé par des matières qui offrent peu de qualités sensorielles et proposent souvent des matières qui ne peuvent acquérir de patine du temps. Ces matières, objets et mobilier urbain ne sont pas créés pour vieillir avec dignité, mais plutôt conçu pour êtres produits économiquement et rapidement, et surtout être facilement interchangeables (selon le style en vogue, la mode ou d’autres préoccupations qui semble à priori dépourvus de valeurs pertinentes). «Sans doutes cette situation exprime-t-elle de façon exemplaire un problème qui, au contraire, concerne profondément la culture occidentale, berceau de la technocience : son incapacité à penser avec sérénité à la décadence et à la mort.» p.74

1.
Ezio M. Artefacts Vers Une Nouvelle Écologie de L’environnement Artificiel. Paris Centre Georges Pompidou.; 1991.

Symbolique des ruines contemporaines

Dans son ouvrage «White Elephants», Konrad Tobler explique que la légitimité des ruines contemporaines doit nécessairement passer par une reconnaissance collective de leur valeur en tant que «legible sign». C’est-à-dire que les ruines doivent être plus que des témoins silencieux, mais bien des artéfacts qui portent en eux des récits, une histoire, un sens. Il cite l’exemple de Rome pendant la Renaissance, où les ruines de l’antiquité ont cessé d’être uniquement considérées comme une carrière de matière première pour être perçues comme des témoins d’un âge d’or révolu. C’est à cette période que les ruines sont devenues des artéfacts mnémoniques dont on percevait maintenant l’importance de conserver. D’une part pour attester de la grandeur d’une société révolue, mais plus importante encore pour le concept d’imaginabilité que ces ruines pouvaient révéler (conjurer) : «The ancient ruins reminded the present of the past and pointed forwards to the magic of the possible».

Il cite également le philosophe Denis Diderot (1767), qui parle du côté sombre et mélancolique véhiculé par les ruines. De l’image du temps qui passe et qui nous mène à notre fin inéluctable, mais également du pouvoir de réconciliation que ces mêmes artéfacts symbolisent. «Wherever I look, the objects which surrounds me everywhere point to the end of all things, and I am reconciled with the end that awaits me.» La ruine stimule donc le fantasme du possible autant qu’elle nous rappelle l’idée de la mort. Et cette double signification est en partie à l’origine du charme que les ruines ont opéré sur la société anglaise du 18e siècle. En effet, l’auteur parle de la fascination qu’entretenait la société anglaise de l’époque pour la mélancolie, d’une mode en réalité. Plusieurs parcs étaient aménagés avec de fausses ruines afin que les promeneurs fassent l’expérience du déclin (par l’entremise de ces objets fabriqués).

Maintenant, les ruines contemporaines nous rappellent toujours cette idée de possible (imaginabilité), et véhiculent toujours cette esthétique mélancolique séduisante. Mais les ruines contemporaines témoignent plutôt d’un temps dystopique, et véhiculent cette idée de surconsommation et d’utilisation démesurée des matières premières, ainsi que de son impact sur notre environnement; *l’anthropocène.

*L’Anthropocène est un terme de chronologie géologique proposé pour caractériser l’époque de l’histoire de la Terre qui a débuté lorsque les activités humaines ont eu un impact global significatif sur l’écosystème terrestre. (Wikipédia, nov. 2016).

Helmle, C. (2007). White elephants : Photography by Christian Helmle = Weisse Elefanten: Fotographien von Christian Helme. Berlin, Jovis.

The Schwerbelastungskörper (a.k.a. Großbelastungskörper - GBK) is a hefty concrete cylinder in Berlin, Germany. Auteur inconnu.

The Schwerbelastungskörper (a.k.a. Großbelastungskörper – GBK) is a hefty concrete cylinder in Berlin, Germany. Auteur inconnu.

L’altérité comme lieu de rencontre

1

Introduction

Le séminaire «récit de voyage hypermédiatique» dans lequel cet essai s’inscrit s’est déroulé à l’hiver 2016. Ce groupe de recherche création, comme je devrais plutôt le nommer, s’est penché sur les nombreuses relations qu’entretiennent la création et l’expérience du voyage. Comme nous avons pu le constater, le sujet est vaste et peut s’étendre, à l’image du rhizome, quasi à l’infini. La quantité et la diversité des textes proposés par la professeure Miron indiquent d’ailleurs comment cette idée s’infiltre dans une multitude de postures de recherche, de pratiques quotidiennes de la création et même d’orientations pédagogiques.

Pendant cette session d’hiver, nous avons notamment étudié la différence entre le parcours du touriste et de celui que nous appelons le voyageur, été introduit au concept de liminarité, du rite de passage et de l’agrégation dans quelques sociétés, parlé des concepts de territorialité et de géographie culturelle, compris les subtiles différences à l’œuvre dans le processus de création et certaines catégories d’intelligences créatives, participé à une retraite autochtone avec un chef Algonquin qui nous a partagé la sage philosophie de son peuple et nombres d’autres sujets tout aussi stimulants. Mais ce qui m’a le plus interpellé est la posture avec laquelle nous avons abordé les travaux et rencontres de ce groupe de recherche. Je parle ici de la posture de recherche création A/R/Tography (De Cosson and Irwin 2004), dont la philosophie repose sur l’altérité. Les A/R/Tographes (traduction libre maintenant utilisée dans ce texte) acceptent que leur savoir soit informé par la mouvance même du projet et du contact avec l’autre. Et l’autre peut autant être un autre individu qu’une autre des identités personnelles du chercheur créateur. C’est-à-dire que ce processus table sur une position organique perméable, misant sur la construction des savoirs informée par l’interaction des différentes pratiques de la recherche, de la création et de l’enseignement. L’A/R/Tographie est donc un processus d’interactions interne et externe qui repose sur la co-construction des connaissances.

C’est donc avec cette approche que nous avons abordé le sujet de ce groupe de recherche, faisant beaucoup place au parcours de découverte et du partage de celle-ci avec le reste des membres du groupe. Il faut préciser ici que ce processus dans lequel nous avons été conviés reflète peu les manières de faire et standards traditionnels des processus de recherche académique universitaire. La principale différence repose sur l’idée du partage et du dialogue alors que les groupes de recherche traditionnels encouragent plutôt la verticalité des connaissances. Dans ce groupe de recherche sur les récits de voyage hypermédiatique, personne, a priori ne détenait la vérité absolue ou ne jouait le rôle de directeur suprême. Chacun apportait sa contribution et ses expériences personnelles face au sujet et acceptait que ses positions soient remises en jeu. Par ce processus, nous avons été invités à remettre constamment nos idées à l’épreuve du réel et de l’expérience afin d’y apporter un autre éclairage. Comme j’ai pu m’en rendre compte, c’est surtout notre expérience de la relation à l’autre qui a été requestionné afin de stimuler la curiosité, la découverte et l’évolution.

S’il n’y a pas de «professeur» maître à bord, qui mène le bateau?

Bien entendu, la professeure Miron a mis la table et a engagé le groupe de recherche dans cette direction A/R/Tographique. Mais elle a par la suite joué un rôle plutôt effacé pour laisser la place aux autres membres du groupe. Alors je ne crois pas que ce soit tant l’absence d’un tuteur qui a caractérisé ce groupe de recherche, mais plutôt la présence de plusieurs mentors à différentes étapes du processus. J’aime bien utiliser la figure du mentor plutôt que du patriarche (plus près du maître traditionnel), car la différence entre ces deux attitudes est très claire. Dans le cas du père, celui-ci incarne la figure d’autorité à respecter sur laquelle il faut s’aligner. Tandis que dans la figure du mentor, il s’agit plutôt d’inculquer la paternité au lieu de l’incarner. De donner à l’autre les clefs nécessaires afin qu’il traverse lui-même les différents seuils pour modifier sa perspective, son jugement, ses actions, sa pensée, etc.

Dans cette perspective, chaque membre du groupe de recherche a donc eu quelque chose à apporter à la réflexion à un temps donné. Un peu à l’image du bâton de parole utilisé dans les cercles de paroles des Amérindiens, où l’attention sans équivoque est accordée à celui qui détient ce puissant objet émotionnellement chargé, chaque membre du groupe détenait un savoir pertinent à un temps donné. Les savoirs A/R/Tographiques se déploient donc à l’image du rhizome en misant sur la pluralité des connexions/contributions. C’est la force de ce système qui porte en son sein même toutes les connexions possibles des pensées de ses intervenants.

L’autre comme tremplin des connaissances

La posture A/R/Tographique implique en son centre l’horizontalité. C’est-à-dire le développement de la connaissance par une philosophie qui s’appuie sur l’altérité. En misant sur la qualité des relations humaines et la contribution de tous les différents intervenants, les A/R/Tographes enrichissent ainsi leur propre processus de recherche création. Cette posture mise sur la richesse des points de vue différents que l’autre peut amener face à sa propre réflexion.

«As a teacher I am also reminded of the power of the student as «other», that without this «other» constantly reflecting back to me my [re]learning, I am nothing. Without the «other» honoured as equal in the circling hermeneutic of learning and [re]learning, I will become ungrounded.»  (Alex de Cosson, The Hermeneutic Dialogic).

J’aime mettre l’état du chercheur en parallèle avec celle de l’étudiant. Les deux ne sont pas si fondamentalement différentes : il s’agit d’un état d’ouverture, d’expérimentation de découverte. Mais parfois l’étudiant a besoin d’être guidé, accompagné. Il a besoin d’un mentor ou d’un Gourou (qui signifie personne qui a du poids dans un domaine) pour lui montrer une autre voie afin qu’il puisse avancer dans le chemin à sa façon. Mais c’est peut-être également la condition du vrai chercheur; qui demeure ouvert aux opinions extérieures, aux collaborations et opinions divergentes afin de l’aider à ouvrir sa perspective. Enfin, l’image du chercheur qui opte pour une posture A/R/Tographique. C’est dans cette condition que je crois que ce type de chercheur est également un étudiant. Car il demeure perméable à l’autre, perméable à l’errance (mot qui fait tant peur dans les sphères académiques!), qui est prêt à s’engager dans ces territoires flous, mais combien riches que sont les relations humaines.

Le chercheur comme étudiant autonome

L’idéal serait d’être un chercheur qui soit un étudiant autonome. Dans la mesure où ce type de chercheur demeure perméable aux enseignements des autres, aux événements, aux détours et surtout à ses étudiants et à ceux qui sont considérés comme des «subalternes». Je n’aime pas employer ce mot, mais il fait image pour exprimer clairement mon propos. Car qui dit être ouvert aux opinions non hiérarchiques signifie être ouvert à ses lacunes ou ses limites personnelles, mais inversement à toutes les directions inattendues ou non envisagées imposées par ces mêmes limites, voire même aux pistes proposées par nos errances/erreurs (ce que Lancri décrit comme le processus en étoile (Lancri 2006)). Et ces directions inattendues ouvrent et permettent l’émergence de nouvelles questions et formes de connaissances; n’est-ce pas l’objectif ultime de la recherche?

Par contre, accepter d’être perméable à tous ces éléments extérieurs nécessite que l’ego lâche prise afin d’accepter de se laisser transformer. De se laisser transformer par l’intellect autant que par le physique, de se laisser transformer autant par les idées que par les expériences (esthétiques, sensuelles, etc.). Peut-être que le mot A/R/Tographie n’est complet que si l’on prend pour acquis que ce type de chercheur créateur privilégie l’ouverture dans ses actions.

A

R

T

S (student)

Mais suivant cette affirmation, je crois qu’il faudrait ajouter un «S» à A/R/Tographie. Un «S» pour student, afin de compléter la boucle.
Un «S» mit à la fin du mot (idée amenée par Treveur Petruzziello), car il englobe toutes les autres activités, qu’il en influence la totalité.

L’ajout à la fin est symbolique, dans le sens que ce sont toutes ces pratiques (artist, teacher, researcher) qui sont affectées par l’esprit de l’étudiant; celui qui désire constamment apprendre. Bien entendu, cet ajout est superflu pour la personne qui adopte cette posture; l’esprit de l’étudiant est présent de facto dans cette idée d’interaction. C’est plutôt pour appuyer mon argument que j’en parle ici. Pour signifier que le chercheur devrait toujours conserver son esprit d’étudiant. Et le mot étudiant est dérivé du mot étude. Sa racine étymologique éclaire le propos : le mot est emprunté au pluriel latin classique studia, interprété comme nom féminin singulier, de studium «attachement, zèle, soin» et «goût pour l’étude», dérivé de studere «avoir de l’attachement pour», «s’appliquer à» (→studieux). Ce verbe se rattache, comme les mots latins stupere, stupor (→stupeur) et stuprum (→stupre), à des termes indo-européens exprimant un mouvement, un choc (Rey 2006).

Deux mots qui font sens ici.

D’un côté, car l’ A/R/Tographie calque sont mode opératoire sur l’idée du voyageur et que celle-ci interpelle le mouvement, et de l’autre, car l’intégration de cette posture dans les pratiques actuelles de recherche création pourrait causer un choc en bousculants certaines pratiques de la recherche.

Expérience personnelle

Ma pratique personnelle de la recherche création et de l’enseignement a toujours été un cycle récursif d’apprentissage, d’expérimentation et de partage. Sans la partie étudiant, ce cycle ne serait pas complet. La preuve, je suis inscrit au doctorat alors que je suis professeur permanent depuis maintenant 10 ans.  C’est franchement un privilège que de pouvoir vivre ce parcours académique avec l’unique objectif de mettre en lumière les fonctionnements de ma démarche de recherche/création/enseignement afin de mieux les comprendre pour les repousser. C’est d’ailleurs pourquoi ma pratique d’enseignant fait maintenant partie prenante du sujet de mon doctorat; autant dans les objectifs que dans le corpus d’étude. Et ce groupe de recherche qui se penche sur les liens qui existent entre la création et l’expérience du voyage a été un élément déclencheur dans cette réalisation. Car cette idée du nomade, celui qui parcourt les territoires de façon cyclique (ou migratoire), est une parfaite analogie de mon propre périple professionnel.

Œuvre : fiction autobiographique

Accueillir la posture A/R/Tographie a produit des résultats tangibles cette session. À plusieurs niveaux, je me suis laissé transformer dans ma perspective et dans mon processus de recherche création. La preuve est que j’ai fait l’acquisition d’un nouveau médium, l’écriture de fiction. En effet, j’ai décidé de m’aventurer à créer une œuvre avec les mots (bandes de littéraires vous m’avez eu!). C’était une réelle expérimentation pour moi, car je suis un créateur de formes et professeur en design graphique, et non pas un littéraire comme l’étaient la majorité des membres de ce groupe de recherche. Non, un designer qui travaille les images et les formes, quelqu’un qui se soucie d’une finalité, mais surtout des fonctions qui doivent intervenir dans une création. Ici, le parcours a été tout à fait différent, j’ai choisi de créer une œuvre littéraire d’autofiction, car l’écriture me parle de plus en plus. Même si les mots n’étaient pas un médium que j’entrevoyais comme faisant partie de mon arsenal créatif, le fait d’en faire d’une façon continue m’a fait réaliser que cette technique était latente en moi et que l’exercice de disparition qu’elle exige me séduit. Je perçois une influence directe de l’intégration de cette posture A/R/Tographique, qui remet en cause notre relation à l’autre et forcément, notre rapport à notre création. Et comme nous savons, la technique est secondaire dans l’acte créatif, il importe plutôt d’avoir quelque chose d’unique, de personnel à raconter. Chaque individu est une construction unique dans le temps : «There is a vitality, a life-force, an energy, a quickening that translated through you into action and because there is only one of you in all of time, this expression is unique. And if you block it, it will never exists through any other medium and be lost» (Robinson 2011)

J’ai été ébranlé par l’ouverture et la vulnérabilité qui ont animé les participants à ce groupe de recherche. J’ai découvert que les récits engagent une partie de soi qui ne peut être bricolée. Un peu à l’image de la musique, ce médium qui occupe une grande partie de mon temps créatif depuis quelques années. Quoique dans la littérature, ce ne soit pas tant une question d’instantanéité que de vérité. Mais comme la musique, si ça sonne faux, le public/lecteur décrochera. C’est probablement pourquoi j’ai été séduit par ce nouveau médium qui s’ajoute maintenant à ma pratique créative.

Mise en contexte : l’art en Asie du Sud-est

Mon récit d’autofiction l’Appel de l’hiver se base sur une année sabbatique passée en Asie du Sud-est. Cette année de voyage m’a permis de me recentrer sur l’aspect contemplatif de ma personnalité par la réalisation de plusieurs périples en moto et en voiture dans divers pays communistes armés de ma seule caméra et d’un carnet de notes. Quoi que beaucoup d’images prises aient porté sur les actions et les traces du geste industriel (ruines, friches, espaces indéfinis, lieux abandonnés, etc.), plusieurs clichés ont fait une place importante aux individus dans leur milieu. Mais qui plus est, de comprendre leur démarche de création authentique basée sur un ardent désir d’ouvrir les horizons du public à l’histoire et la réalité (autant du pays que du monde extérieur). Tous ces road trips et les rencontres avec l’autre m’ont permis de saisir l’importance des arts dans ces sociétés contrôlées. L’art comme vecteur de changement social, l’art comme outil de revendication, l’art comme véhicule idéologique, l’art comme acte de mémoire, l’art comme lien avec le sacré. Comparé à la majorité des préoccupations artistiques d’ici, je ne peux qu’admirer ces vecteurs d’inspirations et de motivations découverts en Asie.

Non pas qu’il n’existe aucune démarche artistique authentique et fédératrice au Québec, mais force est de constater que la rencontre avec des préoccupations tangibles a davantage mis de distance entre moi et le monde de l’art occidental en général. Bien entendu, cette distance était déjà présente bien avant mon départ pour l’Asie. Ce voyage n’a en quelque sorte que révélé et mis à jour les raisons de cet écart entre le monde de l’art actuel et moi. Cette distance s’est traduite par une perte de sens dans mon acte créatif. Surtout à cause de l’attitude du monde de l’art et des stratagèmes mis en place pour assurer le fonctionnement des structures établies. Dans ces «systèmes», il y a peu de place pour un processus et des individus fonctionnant sur les principes de l’A/R/Tographie. L’artographe Alison Pryer en parle en ces mots : «They are the gullies and gorges that comprise the varied landscapes and the institutional terrains of academic culture, public schooling practices, and the often hermetic art world.» (De Cosson and Irwin 2004)

Récit initiatique

Dans mon œuvre littéraire l’appel de l’hiver, il a été question d’un voyage à l’intérieur d’un voyage. D’un périple à la rencontre de l’esprit nordique nipponais, mais encore plus à la rencontre d’un espace intime et introspectif. Bien entendu, ce parcours dans le territoire a engagé un périple initiatique, et ce voyage intérieur, provoqué par un mouvement physique, a été le plus marquant. À l’image de Pierre dans mon récit d’autofiction, je ne peux affirmer qu’il y a eu une résolution ou une agrégation claire qui me permette de reconnecter avec cette communauté artistique que j’avais laissée derrière au Québec. Peut-être que je suis demeuré connecté avec la communitas (Turner 1990) qui s’était formée à travers ce voyage? D’où mon impression que le retour, l’agrégation n’a pas encore eu totalement lieu. Mais ce groupe de recherche m’a permis de mettre des mots et des concepts sur cette mouvance philosophique, ce décalage de valeurs, et de connecter avec une nouvelle communauté qui fait preuve d’une ouverture et d’une humanité à tant de niveaux.

Résolution

Que reste-t-il de cette idée de périple en Asie, du rite de passage que ce voyage a initié? Mais d’abord en suis-je vraiment revenu? Ou est-ce que cette quête a trouvé une forme d’exutoire dans le domaine de la musique avec l’idée d’entrer en relation -ce désir de communauté et le médium de l’écriture? Quoi qu’il en soit, la rencontre avec l’idée du lieu et de ce qui le définit a toujours une place au cœur de ma gestation créative, et la recherche avec l’expérience esthétique spirituelle demeurera toujours une source de motivation. Ma pratique de recherche création a toujours été une façon de trouver un équilibre et un sens à mes actions dans une perspective holistique. Aller à la rencontre de, dépasser quelque chose, revenir à, comprendre ceci, etc. Un peu à l’image de la théorie des contrastes développée au Bauhaus (Itten 2004) où il faut expérimenter les deux extrêmes afin de comprendre un concept, pour revenir en équilibre au centre.

Décloisonnement et pratique de recherche création et d’enseignement.

La reconquête de l’espace en friche de ma création ne m’effraie plus. Car ce que la posture A/R/Tographique m’a permis de comprendre est que ma pratique est en constante mouvance. Un mouvement initié autant dans le but de me déstabiliser (expérimenter) que de retrouver un équilibre. Et qu’y avait-il à atteindre à ce moment-là dans la vie de Pierre; dans ma vie? Le récit offre une perspective intéressante à ce sujet. Mais comme expliqué plus haut cette question demeure en partie ouverte. Le processus est encore à l’œuvre. Mais je suis fermement engagé dans le chemin, et de plus en plus j’ai l’intuition que le sens se révèle à moi.

J’ai en effet amorcé une réconciliation entre ma propre démarche et le domaine académique et artistique. Pour moi, l’activité du chercheur créateur professeur est un travail qui ne connaît pas de frontière claire entre la vie privée et la vie publique. Il s’agit en fait d’un espace liminaire où les frontières se redéfinissent constamment selon les préoccupations et les passions, la recherche de sens et surtout, les rencontres personnelles. Ces frontières, très floues, sont par définition déstabilisantes :

«In their daily praxis, artist/researcher/teachers must cross many disciplinary, professional, and cultural spaces and boundaries, often finding themselves living with/in marginal spaces. The presence of spaces and invisible boundaries is indicated by the small slashes located between each of the words : artist/researcher/teacher.» (De Cosson and Irwin 2004).

Mais ce sont ces transactions constantes avec les frontières existantes qui caractérisent ma pratique. C’est dans cet état de l’esprit du voyage et du nomade que je trouve mon identité (Bonnemaison, Cambrézy et al. 1999). Peut-être que de reconnaître d’autres praticiens vivant la même problématique que moi était suffisant à cette étape-ci. Car modifier des comportements académiques ou institutionnels requiert beaucoup de patience et d’efforts. Mais la génération actuelle d’étudiants, qui fonctionnent beaucoup plus sur le modèle participatif et inclusif et qui considèrent le professeur comme un égal me porte à croire que les choses sont en train de changer. À l’image de l’A/R/Tographie, ces changements de paradigmes doivent se faire par ceux qui incarnent en eux cette mouvance et cette philosophie. Il serait difficile d’imaginer que ces changements proviennent d’une hiérarchie verticale. Comme j’ai tenté de l’expliquer, les fondements mêmes de l’A/R/Tographie sont l’inclusion, l’ouverture et l’horizontalité. Des fondements qui appellent à une sorte de révolution permanente et un désir de perméabilité, de flou. Des valeurs qui semblent en porte-à-faux avec les méthodes traditionnelles positivistes de la recherche.

C_A/R/Tographie de l’altérité

Cependant, à l’image des nomades qui ont besoin de la société sédentaire pour exister, il semble adéquat de penser que la posture herméneutique (Springgay 2008) de l’A/R/Tographie nécessite elle aussi son contraire philosophique afin de s’inscrire dans les institutions. Peut-être pour éclairer, comme la théorie des contrastes, les différentes modalités et intelligences qu’elle révèle à sa façon.

D’ailleurs, à l’image du Bauhaus, où la philosophie première était de créer des concepteurs compétents qui seraient en mesure de matérialiser leurs propres concepts, la posture A/R/Tographique mise aussi sur cette idée de l’artiste complet. Mais en repoussant la barre un peu plus haute en y ajoutant maintenant la donnée enseignement. Ce qui est sur, c’est que l’A/R/Tographie est un processus tout à fait pertinent dans le domaine relativement nouveau de la recherche création. Spécifiquement, car ces terrains demeurent des territoires à cartographier et des paysages à baliser, d’où pourront émerger, entre autres grâce à l’A/R/Tographie, à d’autres lieux de rencontres combien nécessaires à une compréhension holistique de l’expérience humaine.

Références

Bonnemaison, J., et al. (1999). Le territoire, lien ou frontière? Paris ; Montréal, L’Harmattan.

De Cosson, A. and R. L. Irwin (2004). A/r/tography : rendering self through arts-based living inquiry. Vancouver, Pacfic Educational Press.

Itten, J. (2004). Art de la couleur : approche subjective et description objective de l’art. Paris, Dessain et Tolra.

Lancri, j. (2006). Comment la nuit travaille en étoile et pourquoi. La recherche création. Montréal, Les presses de l’université du Québec.

Rey, A. (2006). Dictionnaire historique de la langue française. Paris, Dictionnaires Le Robert.

Robinson, K. (2011). Out of our minds : learning to be creative. Chichester, Capstone.

Springgay, S. (2008). Being with a/r/tography. Rotterdam, Sense Publishers.

Turner, V. W. (1990). Le phénomène rituel structure et contre-structure. Paris, Presses universitaires de France.

_Tiré du blogue «Récit nomade» auquel je contribue cette session.

Schémas, cartes et objectifs

Ces cartes et schémas ont étés créés entre des rencontres de travail avec Pierre Gosselin, le directeur du doctorat en études et pratiques des arts. Ces cartes mentales représentent mes préoccupations et des ébauches de modèles de recherche applicables à mon projet de thèse. Le but principal de ces cartes était de faire ressortir les objectifs actualisés de mon projet doctoral.

Titre de travail : Découvrir sans images. L’objectif principal de mon projet de thèse a subi un recentrement depuis le début du processus en 2014. Je tiens à inclure la dimension de ma pratique d’enseignant. J’étudierai le type de compétences qui sont développées à travers les projets de mes cours, particulièrement le cours de basic design ou l’introduction à la pensée design. Mon objectif est de mieux intégrer mon processus de recherche/création/enseignement, afin de conscientiser ces gestes et d’en constituer des modèles. La posture A/R/Tographique est un des moyens pour y arriver, tandis que l’approche systémique sera une des méthodologies déployées pour l’atteinte des objectifs du projet. Pourquoi? Car «il apparaît que l’objet qu’on veut connaître résulte de l’interaction de plusieurs variables plus qu’un enchaînement de cause à effet» (Gosselin).

 

Sens de l’orientation

design1
La lecture du texte de Ken Robinson1 a fait émerger une piste pour mon doctorat : de développer l’idée du sens de l’orientation et de son importance dans l’évolution de ma pratique de recherche création (et par extension, l’idée de balance que ce sens interpelle et nécessairement, la notion d’équilibre que celui-ci conjure).

En fait, j’ai réalisé que c’est ce sens, c’est-à-dire le désir et le besoin d’orientation qui ont sans cesse guidé ma pratique. Et cette quête a également dicté les médiums à exploiter, afin de trouver quelque chose, d’aller à la rencontre de, d’intégrer une notion ou aller au-delà de, s’insurger contre, etc.
C’est ce sens, nourri par des symboles et écosymboles dans des lieux spécifiques qui ont guidé mes interventions, mes choix et mes expérimentations. Ce sont les lieux qui ont inspiré mes installations, oeuvres, projets environnementaux, choix de médiums, etc. Mais leur sélection relevait de quelque chose de plus profond; ce besoin intime d’orientation. Et cette quête se manifeste autant dans mes parcours artistique qu’académique. Car dans mon cas, les deux sont intimement liés depuis les tout débuts. Il n’y a jamais vraiment eu de coupure entre les deux, seulement des moments de transition ou de jachère plus ou moins longs.

  ___          _   _                          _   _    _   _                    
 | _ \_ _ __ _| |_(_)__ _ _  _ ___   __ _ _ _| |_(_)__| |_(_)__ _ _  _ ___      
 |  _/ '_/ _` |  _| / _` | || / -_) / _` | '_|  _| (_-<  _| / _` | || / -_)     
 |_| |_| \__,_|\__|_\__, |\_,_\___| \__,_|_|  \__|_/__/\__|_\__, |\_,_\___|     
  ___                  |_|                          _  __      |_|              
 | _ \__ _ _ _ __ ___ _  _ _ _ ___  __ _ __ __ _ __| |/_/ _ __ (_)__ _ _  _ ___ 
 |  _/ _` | '_/ _/ _ \ || | '_(_-< / _` / _/ _` / _` / -_) '  \| / _` | || / -_)
 |_| \__,_|_| \__\___/\_,_|_| /__/ \__,_\__\__,_\__,_\___|_|_|_|_\__, |\_,_\___|
                                                                    |_|

L’un nourrit l’autre.
C’est pour cette raison que je suis inscrit à cette formation, à ce doctorat en études et pratiques des arts en ce moment.
Pour retrouver le fil, me réapproprier ce qui fait sens dans ma pratique de recherche création.
Tout ceci pendant que j’enseigne à temps plein.

J’ai, vraisemblablement, une pratique A/R/Tographique_
Filon à sonder.

///
Petit ajout suite au séminaire d’aujourd’hui (12 février 2016). «L’état créateur engendre sa propre technique».

L’extrait du texte de Krishnamurti2 fait écho à ma démarche artistique. Comme quoi l’évolution médiatique dans mes projets a été tributaire d’une recherche de sens et de ce besoin d’orientation. Que je sois passé de la sculpture au Land art, à la création de mobiliers au design interactif, ou de l’art public et à la photographie importe peu dans le fond. Car le choix du médium découlait d’un besoin d’aller au fond de quelque chose que seule l’exploration d’une technique spécifique, à ce temps donné, pouvait incarner. Et l’acquisition de la maîtrise de la technique, face à un médium spécifique, s’apprenait sur le tas, par le faire.

 

  • 1. Robinson, K. (2011). Out of our minds : learning to be creative. Chichester, Capstone
  • 2. Krishnamurtu, 1967. De la connaissance de soi, Édition Le Courrier du livre, Paris.

 

_Tiré du blogue «Récit nomade» auquel je contribue cette session.